Guía de Museos

Entrada del Leopold Museum (Manfreeed)

En el Museumsquartier de Viena encontramos el Leopold Museum, una galería dedicada sobre todo al arte austriaco y recolectada por una pareja de amantes de la pintura y de las artes gráficas en general, Elisabeth y Rudolf Leopold.

Construido en lo que fueron los Establos de la Corte Imperial, tiene como vecinos a una gran cantidad de museos y centros artísticos. Por eso, se trata de un barrio exclusivamente cultural.

La historia del edificio

Los planes de construcción del Leopold Museum de Viena habían comenzado en 1986, cuando se anunció un concurso para decidir quiénes serían los afortunados a la hora de diseñar el edificio. Fue en 1990 cuando se decidió que los hermanos Laurids y Manfred Ortner serían los encargados de tan importante labor. Y para el edificio antiguo (lo que fueran los establos de la Corte Imperial) se le encomendó la tarea de habilitarlo como sala de arte al arquitecto especialista Manfred Wehdorn, que fue llamado en 1995.

Los planes de construcción concluyeron en noviembre de 1997, y en abril de 1998 fue cuando comenzó la construcción del edificio. El 22 de septiembre de 2001, el museo quedó abierto al público.

El mecenas: Rudolf Leopold

Este médico interesado por la historia del arte coleccionaba objetos de arte. Le fascinaban, ante todo, los trabajos de Egon Schiele, tratado por los “expertos” como sólo un talento local, y consideraban que sus pinturas eran pornográficas y degeneradas. Fue Rudolf Leopold una de las personas que contribuyó a cambiar esto, buscando el reconocimiento del artista. Y cuando se abrió el museo dedicado al matrimonio Leopold, la mayor parte de las obras del artista fueron a parar allí.

La colección

Cuatro son los artistas de renombre que en él exponen, siendo el más importante para el museo Egon Schiele. El siglo XIX, la época de la Secesión en Austria, entreguerras y las obras expresionistas son las etapas incluidas en la colección del Leopold Museum.

Del siglo XIX destacan las obras costumbristas de la Altwiene: retratos, paisajes y escenas mitológicas de Anton Romako, Friedrich Gauermann, Johann Baptist Reiter o Ferdinand Georg Waldmüller. De la época de la Secesión destacan obras de Egon Schiele, Gustav Klimt, Koloman Mose o Carl Moll.

También encontramos una muestra representativa de las pinturas austriacas durante el periodo de entreguerras, siendo sus máximos representantes Maria Lassnig, Robert Kohl, Gustav Hessing o Josef Dobrowsky. Por último, la muestra expresionista, sucesora de la Secesión, la representan Oskar Kokoschka, Hans Böhler, Georges Rouault o Anton Kolig, entre otros.
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Vista de Montagne Sainte Victoire, Provence, France (fotografía: Suzelfe)

En Aix-en-Provence, un pequeño pueblo del sur de Francia, podemos visitar el taller de uno de los mejores pintores postimpresionistas, Paul Cézanne.

El que fuera considerado uno de los padres del arte moderno creó su propio taller en su ciudad de nacimiento, Aix-en-Provence, donde años más tarde acogió a uno de sus discípulos, Emile Bernard.

El autor: Paul Cézanne

En 1839 nació en una localidad al sur de Francia el que más tarde sentaría las bases de la transición entre la pintura del siglo XIX y la del XX. Pero como todos los pintores de su época, Cézanne fue ignorado por todos, nadie se interesaba por su arte. Sólo algunos impresionistas apreciaban su obra, poco expuesta hasta 1895.

El artista se dedicaba a pintar las cosas tal y como las veía, sin preocuparse por idealizar los temas. Su obra se basaba en las formas simples y en los planos de color, realizados con pinceladas repetitivas, aunque sin dejar de lado una sensibilidad que le convertían en un pintor característico. Una de sus peculiaridades es que observaba desde distintos puntos de vista, por lo que representaba los paisajes y los objetos desde varias perspectivas de manera simultánea.

Montagne Sainte Victoire vista desde Lauves, Paul Cézanne

El taller

Un texto firmado por Emile Bernard, el aprendiz de Cézanne, en 1904 describe cómo era el taller. Un portal de madera escondía un jardín con pendiente que se perdía en un arroyo. Olivos y pinos. La llave escondida debajo de una gran piedra. Una vez dentro, la sala de trabajo en una habitación pintada de gris con un gran ventanal orientado hacia el norte.

La primera vez que entró pudo ver un lienzo en el que aparecían representadas tres calaveras sobre una alfombra, y otro sobre un caballete en el que salían mujeres desnudas bañándose. En las paredes, paisajes pintados secándose.

Historia del taller

Fue entre 1901 y 1902 cuando se llevó a cabo la construcción del taller en la colina de Lauves, siguiendo los planos realizados por el pintor. Hasta 1906, año en que muere, utiliza el taller como el lugar de creación de un “arte nuevo” del que él era “el primitivo”.

Y hasta 1921 el taller permanece abandonado, cuando Marcel Provence reactiva “un patrimonio precioso, una riqueza espiritual vinculada a aquellos muros, a aquel jardín”. En 1952 se crea el Cézanne Memorial Committee. Y en 1954 se dona el taller a la Universidad de Aix-Marseille. Ese mismo año, el 8 de julio, se inaugura el taller como museo. Desde 1969, el taller pertenece a la ciudad de Aix-en-Provence.

Como aparece reflejado en la historia del taller, “hoy en día, visitarlo, es ir poco a poco tras los pasos de Cézanne, y recorrer el camino de sus sensaciones”.
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Museo Albertina, con el voladizo que se añadió en su última remodelación (Thomas Steiner)

En el mismo centro de Viena podemos encontrar el Graphische Sammlung Albertina, un museo que contiene una de las colecciones más grandes de elementos gráficos, entre los que sobresalen dibujos y grabados de todas las épocas.

Cerca de 65.000 dibujos y de un millón de grabados son las obras que habitan el Albertina, entre los cuales sobresalen las obras del artista alemán Alberto Durero.

Historia del Albertina

Aprovechando una de las zonas que aún quedaban en pie de las murallas de la ciudad, se construyó el edificio que más tarde albergaría este museo. Durante el siglo XVII fue Ministerio de la Construcción, hasta que su director lo convirtió en palacio, por lo que durante una temporada se conoció al edificio como Palais Taroucca.

Más tarde, el que fuera gobernador de los Países Bajos de los Habsburgo utilizó el edificio como su residencia, y mandó traer su colección de Bruselas. Los descendientes de éste, Alberto de Saxe-Teschen, fueron los que aumentaron los fondos de la colección.

En 1776, el Conde Giacomo Durazzo regaló 30.000 obras al Duque Alberto para “crear una colección para la posteridad que sirviese a propósitos más altos que el resto: la educación y el poder de la moral debe distinguir a esta colección”. Con esta intención, no es de extrañar que algo más de un siglo después el edificio se convirtiera en un centro de arte para todos los austriacos. Fue en 1919 cuando el edificio y la colección se fueron de las manos de los Habsburgo para pasar a las de la República de Austria. Y un año más tarde, en 1920, se unificó la colección de grabados con la de la antigua biblioteca oficial de la corte. En 1921 se le puso el nombre de Albertina.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el edificio fue dañado. No fue hasta más de medio siglo después, en 1998, cuando se llevaron a cabo las tareas de remodelación.

La colección

Los fondos del museo se encuentran almacenados en modernos sistemas robotizados, en los que la climatización y la seguridad juegan una baza importante. Y es que en un museo en el que casi todas sus obras están realizadas en papel, cualquier mínimo percance puede estropearlas. Aunque este sistema tampoco es del todo fiable: en junio hubo una fuga de agua que colapsó el sistema informático, lo que requirió un rápido desalojo de las obras para evitar su destrucción.

El autor más reconocido del museo es Durero, del que hay una importante colección. Otros artistas que exponen en el Albertina son Egon Schiele, Lucas Cranach el Viejo o Virgil Solis.
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Centro de Arte Georges Pompidou (Fotografía: Leland)

Desde 1977 París tiene un Centro Nacional de Arte y Cultura, el Georges Pompidou. Y a pesar del escándalo que generó tras su construcción, en la actualidad es uno de los centros de arte más visitados de Francia, con seis millones de visitantes cada año.

El Beaubourg o Musée National d’art Moderne, o Centro Pompidou, como comúnmente se le conoce, lo diseñaron los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers en 1977. El edificio provocó controversias por el contraste que suponía con las casas de alrededor. Pero poco a poco los vecinos se acostumbraron a su presencia, y descubrieron los beneficios que el nuevo museo aportaba al barrio.

Exposiciones en el centro

Los fondos del museo se exponen con motivo del treinta aniversario del centro. La exhibición elles@centrepompidou recoge obras de diferentes disciplinas realizadas sólo por mujeres. Una de esas mujeres, la arquitecta Gae Aulenti, fue la que en 1983 remodeló una zona del museo para darle una estructura ortogonal de la que partían salas y galerías transversales, que desde este abril exponen diferentes aspectos de la historia del arte.

Son muchas las exposiciones que en la actualidad se pueden ver en el Centro Georges Pompidou. Varias de ellas, además, estarán en este centro hasta 2010, lo que proporciona una oportunidad irrepetible de ir a visitarlas. Un ejemplo de ello es “La histoire de l’Atelier Brancusi”. Hasta el 25 de enero de 2010, entre las 14:00 y las 18:00 horas, se exponen obras del escultor rumano.

Una arquitectura polémica

En 1970 se lanzó el concurso internacional de arquitectura para llevar a cabo la construcción del edificio. Fueron Renzo Piano, Richard Rogers y Gianfranco Franchini los afortunados que consiguieron la concesión.

Fue en abril de 1972 cuando comenzaron las obras. Dos años más tarde fue el turno del armazón metálico. En enero de 1977 el Presidente de la República, Valéry Giscard, inauguró el edificio, y tres días más tarde quedó abierto al público. Cada año, el centro recibe seis millones de visitantes.

El edificio, concebido como un “diagrama espacial evolutivo”, decora sus fachadas con tubos azules, vedes, amarillos y rojos. Cada uno de estos colores representa un tipo de conducto técnico o órgano de circulación (ascensores, escaleras, climatización, circuitos de agua o bombas contra incendios).
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Foto de la web: nuitdesmusees.culture.fr

¿Quién dijo que los museos cerraban por las noches? Cada año permanecen abiertos una noche para acercar el arte a aquéllos que no tienen otro momento para este tipo de cultura.

Todos los mayos desde hace cinco años se celebra en Europa la Noche de los Museos. Esta iniciativa, patrocinada por el Consejo de Europa y por la UNESCO en su última edición, mantiene muchas casas del arte abiertas a todo aquél que quiera acercarse, y además de forma gratuita.

Mayos artísticos

En 2009, la noche del 18 al 19 de mayo mantuvo más de dos mil museos abiertos en toda Europa. Pero quedó claro que los horarios poco habituales atraen al gran público.

Si a esto le añadimos las actividades paralelas que se desarrollan con motivo de la Noche de los Museos, llegamos a la noche más artística del año. La noche que acerca el arte a los que, en situaciones (y horarios) normales, no se interesan por él.

Muchos jóvenes hacen un hueco en sus noches de fiesta para culturizarse un rato y más tarde volver a sus planes habituales (que no tienen cabida en este blog). Pero para los que no tengan nada que hacer pueden completar la noche con los talleres, las visitas guiadas, conciertos, teatro, actividades audiovisuales…

¿Por qué la Noche de los Museos?

Desde el 18 de mayo de 1977 se celebra el Día de los Museos. Esta decisión la tomó el Consejo Internacional de Museos (ICOM), creado en 1946 como organización no gubernamental, y dependiente de la UNESCO. Esta institución aglutina a museos y profesionales de los museos, y su cometido es la conservación, el mantenimiento y la comunicación del patrimonio cultural y natural del mundo.

En 2004 consideraron que un día no era suficiente, y decidieron ampliar los horarios de los museos, y completarlos con distintas actividades.

Acceso a las obras más importantes

Quizás el problema que ofrece este evento es que el acceso a toda la colección del museo es restringido, sólo algunas obras están expuestas, mientras que el resto están tapadas por biombos. Por ejemplo, en el Museo del Prado (Madrid) sólo se muestran los cuadros de Velázquez, Goya y algunos autores más. Pero se puede decir que compensa ir cualquier otro día y ver la colección completa. Aunque todo el mundo debería probar la experiencia de ir de noche a un museo. Es una sensación extraña, pero sienta bien.