Guía de Museos

Claramente, parece una mezcla difícil de pensar. Una historia de lecturas y de relecturas. La historia del arte, afortunadamente, está repleta de interpretaciones que se han hecho históricamente de artistas que han cambiado el rumbo de la presentación y la representación en el arte.

‘Las Meninas’ de Velázquez ha sido, sin lugar a dudas, uno de los pivotes que ha permitido reflexionar y cambiar los modos de representación dentro de la historia no sólo del arte, sino de la historia del hombre.

La representación de Velazquez a Picasso

Si algo tienen en común estos dos artistas, Hamilton y Picasso, es el hecho de haber desgarrado el modo de representación de una época.

A la manera clásica de duplicación de la realidad, Velazquez corre su velo mostrando al propio artista en la obra. Señalando que aquello que vemos como espectador no es más que una reproducción de la realidad, que nada tiene de ingenua y pura. Toda obra de arte de aquí en adelante es tratada como una representación, como un grado 2 de la realidad, algo que está construido por una mano que con cierta intensión se desliza sobre una tela.

Sin lugar a dudas, Picasso será recordado siempre por su modificación intensa en la época de las vanguardias y los -ismos. Su trabajo en el cubismo, aunque esto ocupará únicamente un pequeño fragmento de su obra, generó un repliegue intenso del arte sobre la forma.

Que Hamilton, estandarte del Pop Art, elija a estos dos artistas para crear él, a su vez, una obra, no es para nada casual.

Hamilton en el Museo Nacional del Prado

El trabajo de Hamilton, denominado ‘Homage to Picasso. Picasso’s Meninas’ es la realización del cuadro de Velázquez pero al estilo cubista de Picasso.

El museo del Prado expondrá toda la serie que fue necesaria para la realización de esta obra en aguafuerte. Todos los bocetos y pasos que ha hecho Hamilton como piezas que dan cuenta del resultado final.

Por otro lado, para continuar con la serie de relecturas, se ha decidido exponer además la interpretación que hiciera Goya del cuadro de Velázquez, así como además un dibujo que hizo Picasso alrededor del año 1957 en relación con ‘Las Meninas’.

Esta exposición temporal, permanecerá disponible para el público desde el 23 de marzo hasta el 30 de mayo del 2010 y es, sin lugar a dudas, una oportunidad de lo más atractiva para reflexionar sobre la historia del arte y sobre las formas y lecturas que puede generar una obra en diversas épocas y contextos.

Acercarse a un museo a ver fotografía aún puede sonar algo extraño para determinada cantidad de público. La fotografía como arte, mientras tanto, ha ido ganando espacio, autonomía y respeto.

La fotografía, además de ser hoy considerada un arte, fue la responsable de un giro trascendental en la historia del arte y la representación. ¿Por qué? En el momento en que los artistas buscaban llegar a la mimesis más perfecta, la mano del maestro era aquella capaz de copiar la realidad al cual era. En este contexto los estudios de perspectiva y técnicas apuntaban claramente a ello.

Por otro lado, históricamente aquel que quería que su imagen quedase para siempre presente en una sala o una casa hacía llamar a un artista virtuoso que lo retrataba. Por ello se han encontrado tantos retratos de personalidades de las clases más altas ya que eran ellos los que tenían el caudal necesario de dinero como para darse el lujo de que una mano maestra los represente en una tela.

La irrupción de la fotografía

En el preciso instante que el hombre inventa la fotografía el arte se encuentra con una encrucijada mortal. ¿Por qué seguir un objetivo que se hace impertinente con este nuevo objeto? La fotografía hacía una reproducción exacta de esa “realidad exterior” tan solo con unos simples pasos.

De pronto, el retrato dejaba de ser para las elites y cualquier familia de clase media podía acercarse a una casa de fotografía y tomarse algunas tomas del grupo completo. De ese entonces hasta acá la fotografía ha ido creciendo casi sin parar.
El arte tuvo que buscar mucho más allá de la simple figuración para recolocarse en su lugar y buscar nuevos caminos que no han hecho más que enriquecerlo.

Esta exposición

Estas 47 fotografías fueron sacadas entre fine del siglo XIX y principios del XX. Los autores de las mismas son variados y lo que busca la exposición es dar cuenta de recorrido que ha hecho la fotografía como técnica y quizá como arte.

Por otro lado, la gran cantidad de temas que se abordan en estas reproducciones permiten al espectador enterarse, ver, inspeccionar usos y costumbres de más de un siglo atrás. Vestimentas, calles, espacios urbanos, familias y comportamientos reflejados en estás imágenes que reviven cuando el público las interpreta. La exposición se halla disponible hasta el 13 de diciembre en el Museo Nacional de Bellas Artes de Bilbao.

Ver mapa más grande

Las maneras de leer una época o un contexto en el que se desarrollan ciertas líneas de producción artística son variadas. Las formas de lectura sobre estos períodos en que ciertos artistas dieron cuenta de un estilo siempre tienen que ver con el ojo que mira, el espectador, quien coloca su criterio.

Hay algo muy interesante en las exposiciones que relevan artistas de un país que no es el expositor. Es el caso de la muestra que hoy relevamos, “Holandeses en el Prado”.

¿Por qué se haría en España una lectura de los Holandeses? ¿Cuáles son los puntos en común entre las corrientes artísticas de cada país? Pero sobre todo esto, ¿cuáles son las diferencias que hacen que sea posible distinguir una obra de otra?

El ojo del espectador y el contrapunto holandés

A la hora de visitar estas exposiciones el espectador tiene una excelente alternativa para analizar todos estos pequeños detalles.
El Museo de Prado presenta esta serie de cuadros anunciándolos como un contrapunto del trabajo español. El concepto de contrapunto tiene algo muy atractivo. Algo que está en contrapunto tiene, por lo menos, un punto de contacto. Aunque sea en el opuesto, hay una posibilidad de relacionar aquello que se contrapone.

El contrapunto es como una discusión. Si alguien discute con otra persona es a partir de algo en común, por lo menos un tema en común que permita el diálogo; sin punto de contacto no hay contrapunto.
Se presentarán obras de artistas como Salomón de Bray, un artista cuya obra fue de gran importancia durante los comienzos del siglo XVII. Recordemos que este fue un siglo muy importante en cuanto a la manera de pensar la realidad.

En obras como el “Galileo Galiei” de Brecht podemos ver de qué manera era Holanda visto como un espacio abierto al conocimiento y a las nuevas propuestas de un cierto tiempo en que el hombre comenzaba a destronar grandes ideales de la edad media.

Datos de la muestra

Esta exposición aún no se encuentra disponible pues planea abrir sus puertas al público el 3 de diciembre de 2009. Permanecerá en las salas del Museo del Prado hasta el día 11 de abril de 2010, un amplio margen que permitirá que mucha sea la gente que se acerque.

Ver mapa más grande

El museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia tiene una colección estable de lo más atractiva que ya hemos recorrido en este sitio. Por otro lado se caracteriza por acoger una gran cantidad de muestras temporales de gran calidad que vale la pena tener en la agenda para poder visitar. Este centro de Arte ha dado espacio a expresiones artísticas de gran diversidad.

En esta oportunidad este museo abre sus puertas a una exposición con agenda propia. Una exposición que hace una retrospectiva sobre dos artistas del siglo XX que han hecho mucho en relación al vínculo entre el arte, la política y la ética, relacionándose entre si, sumergiéndose absolutamente en sus contextos sociales de producción.

¿Quiénes son León Ferrari y Mira Schendel?

Estos dos artistas tienen como punto de contacto el hecho de haber realizado su obra, o mucha de ella, en Latinoamérica, él en Argentina, ella en Brasil.

Hay que tener algo en cuenta, no son artistas que se hayan dispuesto a trabajar en conjunto, no forman un grupo de trabajo ni planean su obra en grupo bajo el mismo manifiesto. La tarea de juntarlos, de mostrarlos juntos pero también en comparación es plenamente curatorial, una propuesta de los organizadores de esta muestra que comenzó en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y planea hacer varias escalas en diversos espacios de arte alrededor del mundo.

León Ferrari nació en Argentina en 1920. Desde sus obras más jóvenes se posicionó como un artista que jugó con la carta de la provocación y la denuncia. Además de abordar la temática de la intolerancia como uno de sus ejes principales dentro de obra, hizo también obras que tuvieron en la mirilla a la Iglesia y a la religión a partir de esta institución. Mundialmente conocido fue el episodio en el que Ferrari expuso un Cristo crucificado sobre un avión siendo prohibido por la Iglesia que logró que se retire la obra, dejando de exponerse al público.

El caso de Mira Schendel tiene una historia de vida bastante particular. Ella no es latinoamericana, sino que nació en Zurich, luego se mudo a Italia y más tarde tuvo que emigrar junto a su familia a Brasil debido a la segunda guerra mundial, allí produjo su obra más conocida, en la cual manifestó bajo diversas herramientas y materiales el vínculo entre la ética y el arte.

Datos de la exposición

Esta exposición podrá visitarse desde el 24 de noviembre hasta el 1 de marzo del 2010, cuando viajará rumbo a Brasil.
El costo de las exposiciones temporales es de 3 €, aunque quizá sea conveniente pagar 6 € y tener la posibilidad de recorrer todo el museo.

Ver mapa más grande

Hemos hablado en este sitio sobre el Museo Thyssen-Bornemisza, su colección estable y sus eventuales exposiciones temporales. En esta oportunidad vamos a acercar al lector este recorrido que propone la mencionada institución en asociación a la Fundación Caja de Madrid.

Si hay algo que ha desvelado a la humanidad entera a lo largo de toda su historia en este mundo es aquello relativo al amor, a las pasiones y a lo erótico. Recordemos tan solo unos segundos aquel gran libro de Platón, “El banquete”, en el que Sócrates y sus compañeros discuten acerca del Amor, el amor con minúscula y el Amor con mayúscula, el dios, la proveniencia divina de las sensaciones físicas e intelectuales sobre las que hoy nos seguimos preguntando una y otra vez.

Muchos años han pasado desde que aquellos griegos debatían sobre Eros y su acción sobre los hombres, civilizaciones enteras se han construido y destruido y aquí nos encontramos hoy haciendo un nuevo recorrido.

Las lágrimas de Eros que imagino Bataille

Esta exposición toma su nombre del libro de Georges Bataille, publicado antes de su muerte, como la última de sus obras en 1961.
En este texto el autor indaga los vínculos existentes entre eros y tánatos.

Estas dos pulsiones son las que años antes había postulado Freud como aquellas que se encuentran presentes en puja y complemento en todo ser humano. La pulsión erótica y la de muerte no deben ser entendidas de manera plana o literal sino como lo que son, pulsiones. Las pulsiones tienen la gran característica de fracasar en su concreción, de ser movimientos que van hacia algo que no busca la realización sino ese mismo recorrido, ese propio transitar por la propia pulsión.

Bataille encuentra un punto de contacto entre estas dos pulsiones en el orgasmo, en aquello que fue denominado como petite mort o pequeña muerte. A partir de allí hace cruces varios entre la idea de lo erótico y la idea de la muerte, como un juego entre ambos, un coqueteo que aparece de manera permanente en toda la historia del hombre.

La exposición

Con este punto de partida la exposición hace un recorrida a través de figuras mitológicas realizadas a lo largo de la historia que buscan reflejar este vinculo entre lo erótico, lo sexual, lo relacional entre los seres humanos y la idea de muerte, una muerte que solo puede ser entendida en relación con la vida.

“Las lágrimas de Eros” estará disponible hasta el 31 de enero de 2010 y la entrada a la misma es gratuita.

Ver mapa más grande